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Exposition : Jean-Jacques Lequeu. Bâtisseur de fantasmes

Le Petit Palais présente pour la première fois au public un ensemble inédit de 150 dessins de Jean-Jacques Lequeu (1757-1826), artiste hors du commun. L’œuvre graphique de ce dessinateur méconnu est l’une des plus singulières de son temps. Elle témoigne, au-delà des premières étapes d’un parcours d’architecte, de la dérive solitaire et obsédante d’un artiste fascinant. Cette exposition est réalisée avec le concours de la Bibliothèque nationale de France qui conserve la quasi-totalité des dessins de l’artiste.

Jean-Jacques Lequeu, originaire d’une famille de menuisiers à Rouen, reçoit une formation de dessinateur technique. Très doué, il est recommandé par ses professeurs et trouve rapidement sa place auprès d’architectes parisiens dont le grand Soufflot. Celui-ci, occupé par le chantier de l’église Sainte Geneviève (actuel Panthéon), le prend sous son aile. Mais Soufflot meurt en 1780. Dix ans plus tard, les bouleversements révolutionnaires font disparaître la riche clientèle que Lequeu avait eu tant de difficultés à trouver. Désormais, employé de bureau au Cadastre, il tente en vain de remporter des concours d’architecture. Seulement, il doit se résigner à dessiner des monuments et des fabriques d’autant plus étonnants que l’artiste, pressentant que ces constructions ne sortiront jamais de terre, se libère des contraintes techniques.

Le parcours thématique de l’exposition retrace cette trajectoire atypique et aborde les différentes facettes de son œuvre. L’exposition ouvre sur une série de portraits, genre très en vogue au XVIIIe siècle. Lequeu se portraiture à de nombreuses reprises et réalise des têtes d’expression témoignant de sa recherche sur le tempérament et les émotions des individus. En parallèle, il continue de proposer des projets d’architecture qui n’aboutissent pas ou sont inter-rompus. Alors, fort de l’outil précis et technique, de l’épure géométrique et du lavis, Lequeu, à défaut de réaliser des projets, décrit scrupuleusement des édifices peuplant des paysages d’invention. Ce voyage initiatique au sein d’un parc imaginaire, qu’il accomplit sans sortir de son atelier, est nourri de figures et de récits tirés de ses lecture d’autodidacte tel Le Songe de Poliphile. Il conduit ainsi le visiteur de temples en buissons, de grottes factices en palais, de kiosques en souterrains labyrinthiques. L’exposition se termine sur une série de dessins érotiques oscillant entre idéalisation héritée de la statuaire antique et naturalisme anatomique.

Ainsi pour Lequeu, il s’agit de tout voir et tout décrire, avec systématisme, de l’animal à l’organique, du fantasme et du sexe cru à l’autoportrait, et par-delà de mener une véritable quête pour mieux se connaître lui-même. En 1825, six mois avant de disparaître dans le dénuement et l’oubli, il donne à la Bibliothèque royale l’ensemble de ses feuilles livrant l’une des œuvres les plus complexes et curieuses de cette période. Au XXe siècle, des recherches ont permis de redécouvrir peu à peu l’artiste, mettant en lumière ses dessins les plus déconcertants mais jamais une rétrospective n’avait été organisée sur ce génie si singulier

Commissariat

  • Corinne Le Bitouzé, conservateur général, adjointe au directeur du département des estampes et de la photographie de la BnF
  • Laurent Baridon, professeur à l’université de Lyon II
  • Jean-Philippe Garric, professeur à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
  • Martial Guédron, professeur à l’université de Strasbourg
  • Christophe Leribault, directeur du Petit Palais avec le concours de Joëlle Raineau, collaboratrice scientifique.

Pour aller plus loin

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition : Voyages en Scandinavie, du 5 octobre 2018 au 6 janvier 2019

Dans le cadre du Festival international de géographie qui met à l’honneur cette année les pays d’Europe du Nord, l’exposition Voyages en Scandinavie, au musée Pierre-Noël de Saint-Dié-des-Vosges, présente quelque 30 pièces d’exception – cartes, photographies et livres rares – , toutes issues des collections de la Bibliothèque nationale de France.

À l’époque où l’Europe découvrait le monde, ses régions nordiques étaient à peine plus connues que l’Amérique. Le Nord vint à trouver une identité géographique à travers le regard d’explorateurs, de voyageurs, de savants, d’aventuriers et de touristes qui en ont construit, au fil du temps, une représentation plus ou moins adéquate dans l’imaginaire collectif. L’exposition Voyages en Scandinavie se propose de saisir la profondeur historique de cette longue mise au point. Elle présente d’abord les premiers contours cartographiques donnés à cet espace et les récits de voyage qui commencent à s’intéresser aux peuples du Nord. D’une part, la Géographie de Ptolémée, traduite en latin au début du XVe siècle, est augmentée en 1427 d’une série de cartes modernes parmi lesquelles on trouve la première carte présentant l’Atlantique Nord comme une région à part. L’entreprise magistrale d’Olaus Magnus, auteur en 1539 de la première carte originale de la Scandinavie, naît ainsi d’une confrontation féconde à la référence ptoléméenne. D’autre part, au milieu du XVIe siècle,la domination espagnole et  portugaise sur le commerce maritime avec l’Orient via les routes de l’Atlantique Sud pousse les puissances émergentes, l’Angleterre et les Provinces-Unies, à rechercher une route alternative, le long des côtes scandinaves et sibériennes. Ces explorations s’accompagnent d’un effort cartographique sans précédent qui contribue à faire progresser la connaissance des régions septentrionales de l’Europe. 

L’histoire des voyages en Europe du Nord nous mène d’un espace hostile, froid, en proie à des forces redoutables à un territoire qui est progressivement découvert et étudié à l’époque des Lumières. Après avoir servi à rappeler à l’humanité les premiers stades de sa route vers la civilisation, les peuples du Nord deviennent un objet d’étude doté d’un intérêt propre. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le savoir ainsi accumulé est mûr pour produire de grandes synthèses académiques en histoire et géographie. Parallèlement, l’essor de la presse illustrée contribue à la diffusion de ces connaissances et à la vulgarisation des récits de voyages et d’explorations. L’Illustration et surtout Le Tour du monde, première revue illustrée exclusivement consacrée aux récits de voyages, qui paraît de 1860 à 1914 aux éditions Hachette, se font largement l’écho des voyages dans les pays nordiques et dans les terres arctiques, nourrissant l’imaginaire aventureux de ces régions. Au tournant du siècle, la poursuite des explorations a fini par combler les blancs sur la carte et seuls les pôles bénéficient encore de l’aura mystérieuse des espaces inconnus. La conquête polaire et la croisière arctique sont désormais les deux figures du voyage au Nord que déploient l’aventurier et son repoussoir, le touriste.

Commissariat

  • Éléonore Buffler, directrice du musée Pierre-Noël, Saint-Dié-des-Vosges
  • Jean-Marc Chatelain, directeur de la Réserve des livres rares, BnF
  • Cristina Ion, directrice adjointe au département des Cartes et plans, BnF
  • Eve Netchine, directrice du département des Cartes et plans, BnF
  • Fabien Plazannet, directeur du département Philosophie, histoire,sciences de l’homme, BnF
  • Bertrand Tassou, chargé des collections de géographie au département Philosophie, histoire, sciences de l’homme, BnF
  • Coordination scientifique : Gennaro Toscano, conseiller scientifique et culturel, BnF

Dans les collections

Chaque année, dans plusieurs établissements patrimoniaux en région, la BnF présente un « trésor » ou une sélection d’œuvres de ses collections, faisant ainsi partager à un plus large public ses richesses patrimoniales. Révélant des œuvres choisies pour leur valeur emblématique, leurs liens avec un événement ou avec les collections locales, le programme « Dans les collections de la BnF » vise à développer de véritables partenariats avec d’autres institutions, dans les domaines scientifiques et pédagogiques. L’exposition présentée à Saint-Dié-des-Vosges permet à la BnF non seulement de mettre en lumière ses collections mais aussi de valoriser des corpus numérisés en ligne sur sa bibliothèque numérique Gallica.

Pour aller plus loin

  • Le voyage en Scandinavie : anthologie de voyageurs, 1627-1914 / éd. établie par Vincent Fournier, Paris : R. Laffont, 2001, 1 vol. (XXXVIII-792 p.) : ill., couv. ill. en coul. ; 20 cm. (Bouquins).
  • The Northeast Passage: From the Vikings to Nordenskiold, 
    / [editor, Nils-Erik Raurala], Helsinki : Helsinki University Library : John Nurminen Foundation, 1992, 1 vol. (287 p.) : ill., cartes ; 35 cm.

Informations pratiques

  • Voyages en Scandinavie du 5 octobre 2018 au 6 janvier 2019
  • Musée Pierre-Noël, 11 rue saint Charles, 88100 Saint-Dié-des-Vosges

Olivier Jacquot

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Exposition : « Devotion and Decadence : The Berthouville Treasure and Roman Luxury »

« Mercure tenant le caducée » (inv.56.1) ; copyright BnF/Département Médailles, monnaies et antiques

Le département des Monnaies, médailles et antiques est co-commissaire de l’exposition « Devotion and Decadence : The Berthouville Treasure and Roman Luxury » présentée à  New-York à l’Institute for the study of the Ancient World. À cette occasion, la BnF prête le trésor de Berthouville, un trésor d’orfèvrerie romain et gallo-romain, et environ 75 pièces – plateaux d’argent, camées, pierres précieuses, pièces de monnaie et bijoux – issus des collections du département des Monnaies, médailles et antiques.

Informations pratiques

  • Du 17 octobre 2018 au 6 janvier 2019
  • Institute for the study of the Ancient World, New-York.
  • 15 East 84th Street (between Madison and Fifth Avenues), New York, NY 10028

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition « Médias imaginaires. Les archives vivantes »

L’exposition Médias imaginaires. Les archives vivantes conçue comme le prolongement naturel du séminaire de recherche, propose de mettre à la disposition du public des outils visuels et livresques, ainsi que des écrans permettant d’accéder à une base de données. Cette manifestation se conçoit elle-même comme un dispositif d’exposition. Ouverte au plus grand nombre, elle entend se présenter comme une interface invitant le public à utiliser les outils de recherche présents sur les lieux. La salle Longhi devient ainsi un lieu d’actualité permanente, un espace de circulation en contact avec l’extérieur, par des écrans et des projections. Pour ce faire, elle mobilisera surtout les fonds numériques de la Bibliothèque nationale de France, du Musée des arts et métiers (CNAM) ainsi que des collections privées.

À propos d’INHALab

Dans cette volonté politique de privilégier et soutenir la jeune recherche, l’INHA invite chaque année deux collectifs successifs de chercheurs à proposer un projet scientifique créatif dans un domaine se rapportant à l’histoire de l’art. L’association Imago est le deuxième collectif de jeune chercheurs à être accueilli en 2018 dans le cadre d’INHALab. Ils travailleront du 15 septembre 2018 au 15 janvier 2019 sur le projet Médias imaginaires.

Informations pratiques

1er octobre 2018 – 15 janvier 2019

Galerie Colbert, salle Roberto Longhi
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

Entrée libre

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition : Gravure en clair-obscur Cranach, Raphaël, Rubens…

Portrait de Johann Paumgartner, par Hans Burgkmair.  British Museum, AN1613316170.  CC BY-NC-SA 4.0

Argument

Résultat du programme de recherche CLARO financé par la Fondation des sciences du patrimoine, l’exposition porte sur la gravure en clair-obscur qui fut pratiquée dans toute l’Europe des années 1510 à 1650.

Fruit de recherches techniques et artistiques visant à traduire à l’impression une gamme limitée de couleurs, elle connut une large diffusion et suscita un intérêt évident chez des peintres et des dessinateurs comme Hans Baldung Grien, Parmigianino, Domenico Beccafumi ou Pierre Paul Rubens, qui y virent un champ d’expérimentation stimulant, leur  permettant d’explorer la monochromie et les rapports entre ombre et lumière.

C’est cette longue histoire que l’exposition entend retracer, en présentant les gravures les plus représentatives de cette production à partir du fonds de la collection Edmond de Rothschild du musée du Louvre, du département des Estampes de la Bibliothèque nationale de France et de la Fondation Custodia.

Le  commissariat de l’exposition est assuré par Séverine Lepape, conservateur à la collection Edmond de Rothschild, Département des Arts Graphiques, Musée du Louvre, après avoir été chef de service de l’estampe ancienne et de la Réserve du département des Estampes et de la Photographie de la BnF de 2010 à 2014.

Présentation

Réunissant de manière inédite près de 120 estampes conservées dans les collections parisiennes les plus importantes (collection Edmond de Rothschild, musée du Louvre ; Bibliothèque nationale de France ; Fondation Custodia et les Beaux-Arts de Paris), ainsi que des prêts emblématiques de musées français (musée des Beaux-Arts de Besançon) et étrangers (British Museum, Ashmolean Museum et Rijksmuseum), l’exposition retrace à la fois une technique et une esthétique particulière de l’estampe : la gravure en clair-obscur, dite aussi en couleurs.
Elle en propose un panorama chronologique et géographique à travers les chefs-d’oeuvre gravés par ou d’après les plus grands maîtres de la Renaissance et du maniérisme européen, tels que Cranach, Raphaël, Pierre Paul Rubens, Parmigianino, Domenico Beccafumi ou Hans Baldung Grien.

L’estampe gravée sur bois en couleurs, appelée chiaroscuro en Italie, fut pour la première fois expérimentée au cours des années 1508-1510 en Allemagne avant de se diffuser dans toute l’Europe, où elle fut pratiquée avec de plus en plus de sophistication jusque dans les années 1650.
Fruit de recherches techniques et artistiques visant à traduire à l’impression de riches nuances de teintes, la gravure en clair-obscur fascina les artistes qui y explorèrent une question chère à Léonard de Vinci et à Giorgio Vasari : l’art des ombres et des lumières.
La recherche de cette esthétique si particulière fait de la gravure en clair-obscur un objet au carrefour des autres pratiques artistiques : imitant le dessin sur papier teinté ou au lavis, le sgraffito de la peinture murale ou la mosaïque de pierre, elle est néanmoins un objet autonome, où la monochromie constitue une autre voie pour représenter le monde.
Outre ce dialogue que la gravure en clair-obscur entretient avec les autres arts, l’exposition aborde également les questions de sa production et de sa réception. L’estampe est souvent le résultat d’une
collaboration de l’inventeur de la composition, souvent peintre et dessinateur, avec un graveur et/ou un imprimeur, qui maîtrise la science des encres de couleurs, la taille des matrices, leur superposition
et le rendu final. Le caractère précieux de ces gravures retint l’attention des amateurs qui se mirent à les collectionner dès le XVIe siècle.

L’exposition s’appuie sur un projet de recherche scientifique, financé par la
Fondation des sciences du patrimoine (LabEx Patrima), portant sur l’analyse des pigments et colorants d’une quarantaine de gravures en clair-obscur et faisant collaborer la BnF et le Centre de recherche et restauration des musées de France (C2RMF).

Cette exposition est réalisée avec le concours exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France.
Le catalogue est publié avec le soutien de la Fondation des sciences du patrimoine (LabEx Patrima).

Téléchargements

Communiqué de presse
Visuels

Informations pratiques

  • Où ? Musée du Louvre, Rotonde Sully nord et sud
  • Quand ? Du 18 octobre 2018 au 14 janvier 2019
  • Comment ? Ouvert tous les jours, sauf le mardi, de 9 h à 18 h. Nocturnes les mercredi et vendredi jusqu’à 21h45.
  • Renseignements : 01 40 20 53 17
L’Empereur Maximilien à cheval (1507-1508) par Hans Burgkmair. Oxford

Olivier Jacquot

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Exposition : Les Nadar, une légende photographique

La Bibliothèque nationale de France propose la première grande exposition consacrée aux trois Nadar. Félix Nadar (1820-1910), son frère Adrien Tournachon (1825-1903) et son fils Paul Nadar (1856-1939) furent tout à la fois photographes, peintres, dessinateurs et inventeurs…
Quelque 300 pièces témoignent des spécificités de chacun des trois photographes, de leurs collaborations comme de leurs rivalités, dans un parcours qui embrasse l’histoire de l’atelier des Nadar pendant près d’un siècle. À travers des épreuves photographiques originales, des dessins, des estampes, des peintures et des objets, l’exposition invite à la découverte inédite de l’héritage de l’un des ateliers les plus importants et les plus durables des débuts de la photographie.

Le propos de l’exposition s’appuie sur des pièces issues des très riches collections de la BnF, que viennent compléter des prêts prestigieux du Metropolitan Museum of Art de New York, du John Paul Getty Museum de Los Angeles, du musée d’Orsay, du musée de l’Air du Bourget, de l’École des Beaux-Arts de Paris et de la Société française de photographie.Trois parties illustrent les caractéristiques de l’entreprise des Nadar, des années 1850 à la fin des années 1930.

Les Nadar par les Nadar

La première partie, « Les Nadar par les Nadar », fait la lumière sur l’histoire familiale en présentant une sélection des très nombreux portraits et autoportraits des trois photographes et de leur cercle
privé. Elle témoigne de leur implication personnelle dans l’atelier, leurs relations complexes et la manière dont ils utilisèrent leurs propres personnes pour promouvoir leurs ateliers et leur production.
Souvent mis en scène, travestis, scénarisés, ces portraits construisent une légende familiale qui va des prises de vues en studio dans les années 1850 jusqu’aux instantanés Kodak de Paul Nadar, et illustrent en filigrane l’histoire de la représentation photographique elle-même.

Art et industrie du portrait

La deuxième partie, « Art et industrie du portrait », est consacrée à l’héritage des Nadar dans ce domaine et inclura une sélection de portraits emblématiques des personnages les plus connus et les plus influents de leur époque. Elle met en évidence leurs approches différentes ainsi que l’évolution des techniques photographiques et du goût au cours d’un siècle. Elle comprend des chefs-d’œuvre du portrait photographique par Félix Nadar et Adrien Tournachon. Les relations d’amitié que Félix Nadar a pu entretenir avec Gustave Doré ou Baudelaire ont permis de produire des portraits très intimes. Les nombreux ateliers des Nadar à Paris, et même à Marseille, seront évoqués à travers des photographies permettant de voir les lieux et les coulisses des dispositifs de prises de vue.

Art et science

Enfin, la dernière partie de l’exposition, « Art et science », établit le lien des Nadar avec l’actualité de leur temps et la manière dont leur œuvre photographique s’est très souvent associée à des  découvertes scientifiques et techniques. Témoignent de cette implication les reportages photographiques d’Adrien Tournachon sur les races de bovins et de chevaux, ou sa collaboration avec le docteur Duchenne de Boulogne pour saisir le mécanisme de la physionomie humaine. Quant à Félix Nadar, il s’est fait connaître durablement pour son utilisation pionnière de la photographie à la lumière artificielle : portraits nocturnes en studio, reportages dans les égouts et les catacombes de la capitale, photographies sous la mer dans des caissons étanches dans le port de Marseille. Il est également connu pour les premières photographies aériennes qui résultèrent de sa célèbre passion pour la navigation aérienne. Une projection sous forme de diaporama évoque par ailleurs le voyage au Turkestan de Paul Nadar en 1890, et la projection publique qu’il organisa lui-même à son retour.

Premier résultat de photographie aérostatique // Applications : Cadastre, Stratégie, etc // Cliché obtenu à l’altitude de 520 m par Nadar 1858″ : [photographie] / Nadar ; [agrandissement par Paul Nadar], https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/btv1b10539821c

Informations pratiques

Commissariat

  • Sylvie Aubenas, directrice du département des Estampes et de la photographie, BnF
  • Anne Lacoste, directrice de l’Institut pour la photographie des Hauts-de-France

Où et quand ?

Du 16 octobre 2018 au 3 février 2019
Bibliothèque nationale de France, site François-Mitterrand, Galerie 2
Quai François Mauriac, Paris XIIIe
Du mardi au samedi 10h à 19h
Dimanche 13h à 19h
Fermeture les lundis et jours fériés

Publication

Catalogue de l’exposition
23×30 cm, 352 pages, 250 illustrations environ
Éditions de la BnF

Dossier de presse

Gallica

Collections numérisées de Nadar : https://gallica.bnf.fr/conseils/content/nadar

Avec le soutien de

Logo Champagne Louis Roederer

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition : Magiques Licornes (14/7 – 25/02/19)

Depuis le 14 juillet 2018, le musée de Cluny accueille le public dans un nouveau bâtiment situé à proximité immédiate du boulevard Saint-Michel. En guise d’exposition inaugurale, du 14 juillet 2018 au 25 février 2019, le musée de Cluny, musée national du Moyen Âge, propose Magiques licornes, autour des six tapisseries de La Dame à la licorne, chef d’œuvre du musée, qui en constituent le cœur. 

Le commissariat de l’exposition «Magiques Licornes » est assuré par Béatrice de Chancel-Bardelot, conservateur général au musée de Cluny. Autour de la tenture de La Dame à la licorne, de retour au musée après un prêt à l’Art Gallery of New South Wales de Sydney (Australie), des œuvres médiévales et contemporaines proviennent d’institutions prestigieuses comme la Bibliothèque nationale de France, la Cité internationale de la tapisserie d’Aubusson, le musée de la Chasse et de la Nature, le Fonds national d’art contemporain ou le Mobilier national.

Collections de la BnF

La majorité des manuscrits et des imprimés présentés proviennent de la BnF. Plusieurs départements ont été mis à contribution.

Manuscrits

Français 1877

Le Livre nommé Fleur de vertu, translaté d’italien en françoys, par FRANÇOYS DE ROHAN, archevesque de Lion, primat de France et evesque d’Angiers ».

« Le Verger de doctrine ».

Français 6448

Saint Antoine (Antonius Eremita) et les attributs de la licorne et du lion.
Ill. du livre de Jacques de Voragine
“La Légende dorée”, traduit par Jean de Vignay ; exemplaire aux armes de Jean du Mas, seigneur de l’Isle, conseiller et chambellan du Roi (mort en 1495) .
Ms. français 6448, fol. 45 v°,

Français 12247

François Demoulins , Traité des vertus cardinales

François Demoulins, Traité des vertus cardinales, peint par Guillaume II Leroy

Français 12562

Roman de la Dame à la licorne, suivi de Floire et Blanchefleur.

Français 24461

Recueil de dessins ou cartons, avec devises, destinés à servir de modèles pour tapisseries ou pour peintures sur verre.

Recueil de dessins ou cartons, avec devises, destinés à servir de modèles pour tapisseries ou pour peintures sur verre.

Italien 545

I Trionfi del Petrarca.

Estampes et photographie

Le département des Estampes et de la photographie a prêté le fol. 15 de RESERVE PC-18-FOL : [Pièce de tapisserie sur laquelle est représentée une dame en hennin assise dans un parterre]

[Pièce de tapisserie sur laquelle est représentée une dame en hennin assise dans un parterre] : [dessin]

Réserve des livres rares

RES P-D-180

Guido de Monterocherio (13..-13..), Manipulus curatorum, Rouen : Martin Morin pour Jean Richard, 16 IX 1496.

RES-O2F-20 (ALPHA)

Die Heylighe Bevarden tot dat heylighe grafft in Iherusalem , door Bernhardt van Breydenbach

Breydenbach, Bernhard von (1440?-1497), Die Heylighe Bevarden tot dat heylighe grafft in Iherusalem[Mainz] : Ghedruct doir meister Eerhaert Rewich van Utrecht in die stadt van Mentz, 1488.

VELINS-1633

Heures à l’usaige de Paris toutes au long sans rien requerir avec les heures Saincte Geneviève et la commémoration St Marcel et St Germain

Heures à l’usaige de Paris toutes au long sans rien requerir avec les heures Saincte Geneviève et la commémoration St Marcel et St Germain, Paris : Thielman Kerver pour : Guillaume Eustace, 20 VI 1500.

SMITH-LESOUËF R-160

Colonna, Francesco (1433?-1527), Hypnerotomachia Poliphili (F. Columnae, edente L. Crasso), Venezia : Aldo Manuzio pour Leonardo Grassi, XII 1499.

Arts du spectacle

Le département des Arts du spectacle a prêté une photographie de Liane Daydé prise par Serge Lido] cotée : [4-PHO-29 (50).

Le reportage complet est visible dans Gallica : https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/btv1b531403985/f1.planchecontact

Littérature et art

Le département Littérature et art présente plusieurs imprimés : 8-Y2-6 (1636), un volume du Magasin pittoresque (Z-4679) et un autre de L’Illustration (FOL-LC2-1549, vol. IX, 227, samedi 5 juillet 1847, p. 276).

Sand, George, « Un coin de Berry et de la Marche », L’Illustration, samedi 5 juillet 1847, vol. IX, 227, p. 276.

Évidémment, au-delà de ces manuscrits et imprimés, l’exposition donne à voir des objets d’art, tapisseries, etc.

Cuba, Johannes von (14..-1504?), Hortus sanitatis (Joanne de Cuba auctore), Mainz : Jacob Meydenbach, 23 VI 1491. Exemplaire de la BIU Santé
Aquamanile : Licorne, Vers 1400 © RMN-Grand Palais, musée de Cluny, G. Blot

Informations pratiques

28 rue Du Sommerard, 75005 Paris
Ouvert tous les jours, sauf le mardi,
de 9h15 à 17h45
Fermeture de la caisse à 17h15
Fermé les 25 décembre, 1er janvier.

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition : Dans le Secret des œuvres d’art, musée Fabre (24/03-2/09/2018)

Depuis le 23 mars, le musée Fabre de Montpellier propose aux visiteurs une plongée dans l’exposition Dans le Secret des œuvres d’art qui présente cinq focus sur cinq « cas » d’œuvres ayant réagi à leur milieu (contraction ou rétraction, et parfois détérioration) : peinture sur bois, sur toile, dessins sur papier, sculpture en bronze et toile en matériaux contemporains, dont l’étude et la restauration se sont avérées complexes et passionnantes. Les propriétés des matériaux, les techniques de création, les nécessités en termes de conservation et de restauration, tous ces aspects fascinants sont révélés au public, proposant un discours à la croisée de l’histoire, de la science, de l’artisanat et de l’art.

Toile de Claude Viallat

Claude Viallat est l’un des artistes vivants majeurs représenté dans les collections du musée Fabre.

Membre fondateur du groupe Supports/Surfaces, il est présent dans les collections du musée depuis 1982 avec l’achat d’une grande toile auprès d’Amnesty International. Le fonds a dès lors été complété par des achats et des dons de l’artiste, dans l’objectif de retracer la carrière de Claude Viallat et de compléter l’ensemble spécifique au mouvement Supports/Surfaces.

Il constitue aujourd’hui un fonds de référence avec ceux du Musée national d’art moderne et du musée d’art moderne de Saint-Étienne.

En 2015, la collection a été enrichie d’un don d’une vingtaine d’œuvres. La complexité des matériaux éclectiques et industriels choisis par l’artiste ont généré des dégradations pouvant mettre en péril l’intégrité de certaines d’entre elles. Les matériaux recensés dans ces œuvres témoignent d’une variété posant des problèmes de conservation pérenne : bande de plâtre teinte, cercle de bois, cercle de barrique, corde teintée, nappe et tissu imprimés, tente militaire, poulie.

Dans l’exposition, une œuvre de format monumental peinte recto/verso et souffrant d’un processus de perte de matière évolutif est présentée : Sans titre (1993), soit une toile composée de deux toiles de store brun-rouge peintes à la peinture acrylique industrielle au recto et au verso, mesurant 355 x 368 cm. Une étude approfondie a été réalisée par le restaurateur afin de trouver la méthodologie la plus adaptée pour résoudre une problématique bien précise : la perte d’adhérence de la couche picturale.

La toile monumentale de Claude Viallat a été restaurée en collaboration avec le Centre interdisciplinaire de conservation et restauration du patrimoine (CICRP) de Marseille.

Rôle de la BnF

Dans le cadre d’une convention avec le Centre interdisciplinaire de conservation et restauration du patrimoine (CICRP) de Marseille, le laboratoire scientifique de la BnF a permis la réalisation de tests mécaniques préalables au choix de la méthode de restauration de la toile.

Réunion avec Claude Viallat au CICRP, 12/2016. Copyright : Carole Husson

Une batterie de test de vieillissement artificiel ainsi que de traction a été réalisée sur des éprouvettes reprenant des matériaux proches de ceux utilisés par l’artiste, récupérés auprès de fabricants marseillais de stores. Ces tests ont pour objectif d’anticiper le vieillissement futur de matériaux contemporains dont on ignore le devenir. L’objectif poursuivi consistait à choisir un adhésif adapté à la peinture acrylique et à la toile de store non préparée au départ par le peintre, sachant que la toile subit des tensions et tractions en raison de sa présentation en suspension dans l’espace (sans cadre, ni support ni marouflage), de sorte à en apprécier les deux faces. Bien entendu, l’adhésif choisi doit respecter les règles de la conservation préventive : être performant, stable dans le temps et réversible.

Quatre adhésifs ont fait l’objet d’analyses de vieillissement et de traction en laboratoire avant des essais sur une partie de l’œuvre avec l’adhésif retenu. Les adhésifs devaient être compatibles avec l’acrylique, éviter le risque d’infiltration pour ne pas dégrader ni le support ni la peinture, garantir une certaine adhérence et une résistance mécanique à la tractions. Pour ce faire, Eleonora Pellizzi1, du laboratoire scientifique de la BnF, et Alain Colombini, ingénieur au CICRP, ont suspendu des éprouvettes encollées et lestées. Les éprouvettes ont fait l’objet d’étirement, bloquées dans les mâchoires d’un dynamomètre. Ces essais de tractions mécanique étaient focalisés sur deux paramètres significatifs : le module de tractions ou d’élasticité (module de Young) et l’allongement au maximum. Ils visaient à comparer les propriétés mécaniques des consolidants testés.

Eprouvettes étirées, bloquées dans les mâchoires du dynamomètre de la BnF.

Les analyses physico-chimiques menées sur les éprouvettes avant et après traitement de vieillissement artificiel ainsi qu’avant et après les essais mécaniques ont permis de constater l’absence de variation significative imputable à la thermo-oxydation et aux changements physiques (tractions / relâchements).

Au final, l’adhésif retenu qui correspond le plus aux critères définis (élasticité, vieillissement, etc.) est la colle d’esturgeon.

Après les analyses menées à la BnF, le CICRP a pu mettre en œuvre un protocole de restauration appliqué par une conservatrice-restauratrice spécialisée dans les problématiques du textile.

L’exposition du musée Fabre vise à montrer au public les résultats de ces tests et d’expliquer le processus de dégradation comme de restauration des œuvres.

Pour en savoir plus

    • Présentation de l’exposition
    • Dossier pédagogique Dans le secret des oeuvres d’art
    • Livret de visite à destination des familles, Dans l’œil du restaurateur
    • Colodiet, Stanislas ; Colombin, Alain ; Husson, Carole, « Une toile monumentale de Claude Viallat : restaurer Suppotrs/surfaces » in Dans le secret des oeuvres d’art : campagnes de restauration au Musée Fabre : [exposition, Musée Fabre de Montpellier Méditerranée métropole, 24 mars-2 septembre 2018], Gand : Snoeck ; Montpellier : Musée Fabre, 2018, p. 83-95.
  1. Chargée d’études et de recherche en physique-chimie au laboratoire scientifique de la BnF, Bussy-Saint-Georges []

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Agen médiéval, de la cité des martyrs à la république communale

Depuis le 7 juillet et jusqu’au 18 novembre 2018, le Musée des Beaux-Arts d’Agen présente l’exposition Agen médiéval, de la cité des martyrs à la république communale, à l’église des Jacobins.

L’exposition vise à raconter le riche passé médiéval de la cité et de l’Agenais. Forte de l’importance du culte de ses saints locaux, sainte Foy et saint Caprais, la ville devient rapidement un centre religieux et économique dynamique, profitant de sa position géographique stratégique. Territoire fluctuant entre le royaume d’Angleterre et le comté de Toulouse, il revendique un système politique original, dont le Livre des Coutumes d’Agen, est le témoignage insigne.

L’exposition est l’occasion de découvrir plus de cent cinquante œuvres d’art et objets du quotidien, beaucoup montrés pour la première fois ou redécouverts, dont des manuscrits médiévaux de la Bibliothèque nationale de France, autrefois dans l’Agenais, et récupérés par Colbert.

Sonia Ozanne, relieuse-restauratrice à l’atelier de Restauration Reliure dorure de la Bibliothèque nationale de France, a prêté mains fortes aux équipes du Musée pour confectionner les lutrins sur lesquels sont présentés les ouvrages sélectionnés à la Médiathèque d’Agen.

Prochainement, trois manuscrits, actuellement en restauration, seront présentés du 15 septembre au 18 novembre, dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine :

  1. le Bréviaire choral,
  2. le Nouveau Testament (Latin 252)
  3. le Processionnal à l’usage de l’abbaye de Saint-Maurin (Latin 2819).

Latin 252
Latin 2819

Conférence

Dimanche 15 septembre à 15h30, Maxence Hermant, chargé des collections de manuscrits médiévaux au département des manuscrits, présentera ces oeuvres originaires d’Agen et de l’Agenais au cours d’une conférence gratuite intitulée « Manuscrits médiévaux de l’Agenais ».

Modalités pratiques

Musée des Beaux-Arts d’Agen
Place Docteur Esquirol – 47916 Agen cedex 9
Tél : 05 53 69 47 23 / Fax : 05 53 69 47 77
Email : musee@agen.fr

Pour aller plus loin

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition : Mademoiselle Guimard, danseuse de l’Opéra sous l’Ancien Régime

Dans le cadre de l’opération « Dans les collections de la BnF », la Bibliothèque nationale de France poursuit son partenariat avec le musée des Beaux-Arts de Tours. Intitulée Mademoiselle Guimard, danseuse de l’Opéra sous l’Ancien Régime, une nouvelle exposition est proposée. Elle s’articule autour du buste de celle qui porta aux plus hautes sphères le ballet anacréontique. Ce buste, sculpté par Gaëtan Merchi en 1779, sera entouré par une série de maquettes de costumes de Louis-René Boquet mettant en scène « la Terpsichore du XVIIIe siècle ».
Gaëtan Merchi, Buste de la Guimard, 1779, marbre blanc, BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, MUS.143m

Dans les collections de la BnF

Chaque année, dans quatre ou cinq établissements patrimoniaux en région, la BnF présente un « trésor » ou une sélection d’œuvres de ses collections, faisant ainsi partager à un plus large public ses richesses patrimoniales. Révélant des œuvres choisies pour leur valeur emblématique, leurs liens avec un événement ou avec les collections locales, le programme « Dans les collections de la BnF » vise à développer de véritables partenariats avec d’autres institutions, dans les domaines scientifiques et pédagogiques.
À Tours, le buste de Mademoiselle Guimard et les maquettes de ses costumes s’inscrivent parfaitement dans les collections du musée des Beaux-Arts qui conserve une très belle collection d’art du XVIIIe siècle. Cette exposition permet à la BnF non seulement de mettre en lumière ses collections mais aussi de valoriser des corpus numérisés en ligne sur la bibliothèque numérique Gallica.
Depuis plusieurs siècles, la BnF collecte et préserve le patrimoine écrit et artistique de la France. Ses collections, d’une richesse exceptionnelle et d’une grande diversité, couvrent tous les champs du savoir et du patrimoine artistique : manuscrits richement enluminés, mais aussi photographies et estampes, cartes et plans, monnaies et médailles, chefs-d’œuvre de l’Antiquité, livres précieux,
trésors audiovisuels, costumes, partitions…
Sur son site historique de la rue de Richelieu à Paris, la BnF ouvrira en 2021 un musée pour présenter une anthologie de ses richesses patrimoniales, qui sont aussi celles de la Nation. L’opération « Dans les collections de la BnF » permet d’ores et déjà de faire connaître ces collections à un large public en région.

Marie-Madeleine Guimard (1743-1816)

Les qualificatifs pour désigner Marie-Madeleine Guimard ne manquent pas dans les chroniques de son temps et des années qui suivent. Qu’ils soient empreints d’admiration comme « l’aimable Terpsichore » ou au contraire teintés d’une certaine malice, tel que « le squelette des Grâces », ils démontrent surtout la place incontournable qu’occupe la danseuse dans le monde de l’Opéra au XVIIIe siècle.
Née en 1743 à Paris d’une union illégitime, elle commence sa carrière de danseuse en 1758 lorsqu’elle entre dans le corps de ballet de la Comédie-Française. Elle le quitte dès 1761 pour intégrer l’Opéra de Paris où, selon les mots de Noverre, maître de ballet à l’Académie royale de musique, elle « fixe les applaudissements du public depuis son début jusqu’à sa retraite ». Remarquée une première fois lorsqu’elle remplace en mai 1762 Allard et interprète le rôle de Terpsichore dans le prologue du ballet de Collin de Blamont, Les Festes grecques et romaines, sa réputation ne cesse de croître et elle obtient rapidement le plus haut statut de première danseuse. Se produisant pour les plus grands maîtres de son temps (Noverre, mais aussi Vestris ou Gardel), elle incarne des rôles nobles avant de se tourner vers le genre de demi-caractère, s’illustrant notamment dans Les Caprices de Galathée (1776), La Chercheuse d’esprit (1778) ou encore La Fête de Mirza (1781).
Ce succès, Mademoiselle Guimard ne le doit certainement pas à sa beauté. Les observateurs s’accordent pour souligner qu’elle n’a jamais été « ni belle, ni même jolie ». Sa maigreur lui attire les sarcasmes de ses rivales telle Arnould, et certains pamphlets volontairement outranciers la dépeignent comme ayant « la cuisse flasque ». Pourtant, elle parvient à séduire le public par sa tournure incomparable et son ton exquis, occupant les devants de la scène pendant près de trente ans. Élève des trois Grâces selon ses admirateurs, elle inspire les poètes qui lui dédient des vers sur l’art de la danse-pantomime dans laquelle elle excelle, et porte aux plus hautes sphères le ballet anacréontique.
Fig.1 : Marie-Madeleine Guimard dans Le Premier Navigateur, ballet de Gardel, lithographie, BnF, département de la Musique, Est. Guimard 002
En 1785, alors qu’elle a déjà atteint un âge respectable pour sa profession et qu’elle paraît dans le ballet Le Premier Navigateur (fig.1), un critique exhorte encore ses lecteurs à contempler la Guimard pour puiser, « dans ses moindres mouvements, le goût sans lequel rien ne peut être agréable ». La danse n’est pour autant pas l’unique raison qui contribue à la notoriété de la première danseuse. Sa vie galante a nourri dès ses débuts les gazettes en tous genres. Choisissant ses amants parmi la haute société (le prince de Soubise, les évêques d’Orléans et de Cambrai ou le fermier-général de La Borde pour ne citer qu’eux), elle s’assure ainsi de confortables revenus qui lui permettent de mener un train de vie remarquable. Elle se fait construire deux hôtels particuliers à Pantin et à la Chaussée-d’Antin (ce dernier appelé « le Temple de Terpsichore », fig. 2) dans lesquels elle organise de fastueux bals, opéras et autres spectacles auxquels accourt le Tout-Paris. Malgré ces soutiens et les larges traitements qu’elle parvient à obtenir de l’Opéra, elle fait faillite et se voit obligée de vendre à la loterie son « Temple » en 1786.
Fig. 2 : Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806), maison de Mademoiselle Guimard, rue de la Chaussée-d’Antin, lavis à l’encre brune, mine de plomb sur papier, BnF, département des Estampes et de la photographie, Rés. Fol-VE-53(F)
Elle fait ses adieux à la scène à Londres en 1789 et abandonne dans le même temps la vie libertine en se mariant à Despréaux la même année. Elle s’éteint dans l’anonymat en 1816.

Le buste de la Guimard et les maquettes de costumes de Boquet

La Guimard n’utilise pas les largesses dont elle bénéficie pour son seul plaisir mais sait se montrer généreuse envers les artistes qu’elle fréquente.
Parmi ceux-ci, le plus célèbre est probablement Fragonard. D’autres,
à la postérité moins affirmée, ont également su s’attirer les bonnes grâces de la danseuse comme Gaëtan Merchi.
Ce sculpteur, né à Brescia (Italie) en 1747, s’installe à Paris en 1777 et rencontre la Guimard, alors au sommet de sa gloire, qui lui commande un buste en 1779.
En marbre blanc, il parvient à rendre à la première danseuse toute la volupté et la sensualité qui font alors sa réputation au XVIIIe siècle. Possédé par Nivelon, danseur qu’elle côtoie en 1784 et qui aurait compté parmi ses amants, il le lègue à l’Opéra de Paris en 1838, alors situé rue Le Peletier. Le buste est placé dans le foyer de la danse, dominant ainsi l’ensemble des danseurs, figurants et autres
habitués qui viennent s’y installer. Il entre dans les collections de la Bibliothèque nationale en 1935, date à laquelle lui est rattachée la Bibliothèque-musée de l’Opéra (cat. 1).
Le goût de Mademoiselle Guimard pour les beaux atours participe de sa réputation. Elle s’entoure ainsi des meilleurs costumiers pour l’habiller. Les costumes dessinés par Boquet (entré au service de l’Opéra en 1758-59) pour la « moderne Terpsichore » permettent de mieux saisir la grâce et la distinction qui ont fait sa renommée (cat. 2-7).
Sylvie, 1765, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier plume et aquarelle, BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 VI-2

Liste des oeuvres exposées

  1. Gaëtan Merchi, Buste de la Guimard, 1779, marbre blanc, H : 73 cm ; L : 50 cm. BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, MUS.143m
    Six maquettes de costumes de Louis-René Boquet (1717-1814)
  2. Caractère de la folyie, Prologue, 1762, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier, 231 x 157 mm. BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 V-49
  3. Les Festes liriques, 1766, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier, 236 x 155 mm. BnF, Bibliothèque-musée de  l’Opéra, D216 VII
  4. Sylvie, 1765, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier plume et aquarelle, 270 x 359 mm. BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 VI-2
  5. Le Carnaval du Parnasse, 1767, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier plume et aquarelle, 234 x 149 mm. BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 VII-53
  6. Azollan, 1774, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier plume et aquarelle, 251 x 181 mm. BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 IX-5
  7. Ismene, 1770, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier plume et aquarelle, 212 x 167 mm. BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 V-5
Azollan, 1774, aquarelle, lavis gris, mine de plomb et encre sur papier plume et aquarelle, BnF, Bibliothèque-musée de l’Opéra, D216 IX-5

Olivier Jacquot

Coordonnateur de la recherche > Délégation à la Stratégie et à la recherche > Bibliothèque nationale de France

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Exposition : Reliures précieuses dans la collection de la BnF au musée du Louvre

En lien avec l’exposition de la Petite Galerie, Théâtre du pouvoir, où sont actuellement présentés les regalia, les instruments du sacre des rois de France, la Bibliothèque nationale de France a accepté le prêt de cinq de ses reliures les plus précieuses, conservées au département des Manuscrits : pendant huit mois, elles prennent ainsi provisoirement place dans les vitrines des salles médiévales du département des Objets d’art du Louvre.
Ces reliures forment un ensemble exceptionnel par leur somptuosité et leur histoire, du siècle de Charlemagne à la fin du Moyen Âge. A elles cinq, elles laissent entrevoir, chacune à leur manière, la richesse de l’art médiéval et, par-delà, celle de l’histoire culturelle et politique des différentes régions qui ont participé à la genèse de l’histoire de la France et des pays voisins.

Psautier de Dagulf, Ateliers dits de « l’École du palais » de Charlemagne (France du Nord actuelle ou Aix-la-Chapelle en Allemagne actuelle), entre 783 et 795. Plaques de reliure : Ivoire. Mentionné au Moyen Âge en Allemagne dans les trésors des cathédrales de Limbourg-sur-la Lahn, de Spire (avant 1065) puis de Brême (du XIe au XVe siècle). Le manuscrit est conservé à la Bibliothèque nationale autrichienne à Vienne. Musée du Louvre, MR 370-371. © RMN – Grand Palais (Musée du Louvre) / Martine Beck-Coppola

Conservés par la BnF depuis la Révolution et le Consulat, ces livres dialoguent, dans un parcours inédit, avec les Objets d’art des collections médiévales du Louvre et s’offrent sous un nouveau jour, en particulier pour   les deux reliures restaurées grâce au mécénat de la Fondation Polonsky.

Évangiles de la collégiale Saint-Louis de Metz. Plat inférieur de la reliure. Au centre, ivoire représentant une Crucifixion (Constantinople, XIe siècle). Encadrement de plaques d’argent et plaques émaillées, cabochons de cristal de roche (XIIIe -XIVe siècles). BnF, département des Manuscrits, latin 9391. © Bibliothèque nationale de France

Au Moyen Âge, les livres liturgiques utilisés pour la célébration du service divin faisaient partie des trésors des églises aux côtés d’autres objets sacrés comme les reliques. Ils revêtaient, pour l’établissement religieux qui les conservait, une fonction mémorielle essentielle : le trésor servait à perpétuer le glorieux souvenir de la fondation du lieu comme à incarner son histoire vivante et la puissance de son assise spirituelle et temporelle.

Deuxième Évangéliaire de la Sainte-Chapelle, Paris, vers 1240 (bordures extérieures de la reliure du XVIe siècle). Plat supérieur de la reliure : Crucifixion. Plat inférieur de la reliure : Christ en majesté. Argent doré, cabochons de verre et de pâte de verre. BnF, département des Manuscrits, latin 9455. © Bibliothèque nationale de France

Le statut d’unica des livres qui en faisaient partie et leur valeur hautement commémorative justifiait l’ornementation luxueuse qui était la leur et qui rivalisait sans peine avec les plus riches pièces d’orfèvrerie dans la glorification de Dieu.
Tous ont pour point commun d’avoir reçu une riche décoration enluminée et, en guise de couverture, de véritables joyaux dont la splendeur et l’iconographie élaborée sont à la mesure de la dimension spirituelle et symbolique de leur contenu. Ces manuscrits proviennent de centres variés : Metz pour les deux livres d’Évangiles présentés dans la première et dernière vitrine, Saint-Vaast d’Arras pour le Missel de Saint-Denis dans la vitrine de la salle 4 et Paris pour les deux Évangéliaires de la Sainte-Chapelle dans la vitrine centrale de la salle 2.

Premier Évangéliaire de la Sainte-Chapelle, Paris, vers 1230 et 1240-1248. Plat supérieur de la reliure : Résurrection du Christ. Plat inférieur : Crucifixion. Argent doré et niellé. BnF, département des Manuscrits, latin 8892. © Bibliothèque nationale de France
Missel à l’usage de Saint-Denis. Plat supérieur : Figurines d’ivoire de morse de l’école du palais de Charles le Chauve, vers 870. Feuille d’or gravée, repoussée, filigrané et orné de pierres précieuses et de perles remontant au XIe siècle (bordure extérieure du XIIIe siècle). BnF, département des Manuscrits, latin 9436. Plat inférieur : Plaque de cuivre dorée, gravée et ciselée, insérée dans un cadre d’argent estampé et contenant la figure de saint Jean l’Évangéliste (France, XVe siècle) . BnF, département des Manuscrits, latin 9436. © Bibliothèque nationale de France

Si l’exécution de ces manuscrits et de leurs enluminures est bien localisée dans l’espace et le temps, il n’en va pas toujours de même de leurs reliures, dont certaines présentent un aspect composite. Leur décor est formé à l’aide de matériaux aussi précieux que variés : or, argent, cuivre, ivoire, gemmes, perles… Ceux-ci, comme les techniques raffinées avec lesquelles ils étaient travaillés, avaient pour fonction d’accroître la valeur esthétique et spirituelle des livres.


Cette présentation est organisée par la Bibliothèque nationale de France et le musée du Louvre.

Évangiles de Drogon. Plaque d’ivoire d’éléphant illustrant des scènes de la Passion du Christ : Metz, vers 850. Bordure d’orfèvrerie à filigrane avec perles et pierres, XIe siècle. BnF, département des Manuscrits, latin 9388. © Bibliothèque nationale de France

Commissaires de l’exposition : Charlotte Denoël, conservatrice en chef, département des Manuscrits, BnF et Florian Meunier, conservateur en chef, département des Objets d’art, musée du Louvre.

Manuscrit de Denys l’Aréopagite. Manuscrit : Constantinople, 1403-1405 ; Ivoire : Paris, vers 1360-1380 ; Monture : argent doré, pierreries : Paris, vers 1400, remaniée au XVIIe siècle. Provient du trésor de l’abbaye de Saint-Denis. Musée du Louvre, MR 416. © RMN – Grand Palais (Musée du Louvre) / Jean-Gilles Berizzi

Œuvre en scène : Évangiles de Drogon, le mercredi 30 mai 2018 à 12h30, à l’auditorium du Louvre.
Par Charlotte Denoël, BnF, Jannic Durand et Florian Meunier, musée du Louvre.

Boîte-reliure de Maastricht, Empire ottonien (Trèves ou Ratisbonne ? Allemagne actuelle), vers 1020-1040. Provient du trésor de la cathédrale de Maastricht. Âme de bois, or, émaux cloisonnés, nielle, cabochons. Musée du Louvre, MR 349. © RMN – Grand Palais (Musée du Louvre) / Droits réservés

Olivier Jacquot

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